MODA - Dietro la sfilata di moda... cultura, arte e storia

Flash, sorrisi, bellissime donne, ricchi acquirenti, affannati organizzatori, ansiosi stilisti... dietro una sfilata di moda c'è moltissimo. C'è la questione economica, c'è la tendenza del gusto, c'è il glamour, c'è il lavoro di tantissimi professionisti, ma c'è anche la storia di un modo di presentare gli abiti che ha radici antiche, poco conosciute e tutte da scoprire.

Ne parliamo in occasione della settimana della moda milanese, ma anche in concomitanza con l'uscita di un bel saggio da non perdere:
-  Alla corte di re Moda di Daniela Fedi e Lucia Serlenga >>>
-  La moda è sfilate ma anche mostre: eccole >>>
-  Infine uno sguardo sul documentario Valentino, l'ultimo Imperatore >>>

La sfilata di Fendi in Cina

La folla che assiste a questo spettacolo è la stessa, da sempre.
Brunetta ne Il vizio del vestire (pubblicato nel 1981 dalle Edizioni delle donne con una Prefazione di Natalia Aspesi, purtroppo reperibile solo in biblioteca, speriamo sia presto edito nuovamente) già scriveva:
""La folla che assiste a questo spettacolo è eccitata, rumorosa, esibizionista, nervosa e all'erta, gente della moda che si bacia e abbraccia e dice sei terrific, sei stupenda, ci vediamo stasera, donne un po' adunche nella rapacità di mostrarsi, ragazze militaresche nel prendere appunti, una montagna di fotografi vocianti e spintonanti, uomini eleganti e sempre sorridenti per professione"".
Passano i decenni ma nulla è cambiato.

pupa inglese - 1690 circa

La parola ""moda"" viene introdotta in Italia verso la metà del Seicento. Il termine deriva direttamente dal francese 'mode', sebbene la sua radice sia latina (modus). 
Ma ancora prima che il vocabolo entrasse nel linguaggio comune, pur nelle sue varie accezioni, non si può dire che non esistesse un processo costante di cambiamento di fogge, sebbene molto lento.
Le antenate dell'indossatrice si possono considerare alcune figurine policrome di terracotta (alte da 8 a 25 cm.) che gli antichi romani mandavano nelle province per illustrare meglio le loro creazioni. 
Molti secoli dopo anche i francesi, per esibire l'ultima moda parigina nelle corti di Vienna e Madrid, San Pietroburgo e Berlino, si servivano di bambole dello stesso tipo ma più grandi.
Infatti, per molti secoli, le case di moda e le sarte, più o meno famose, inviavano alle loro clienti abituali, facevano 'sfilare' nelle loro botteghe o nei salotti aristocratici, o usavano esporre al pubblico, delle bambole con un guardaroba completo.

""L'epoca d'oro della bambola-manichino fu il Settecento, secolo in cui era più facile viaggiare per l'Europa e in cui numerose erano le richieste di abiti sontuosi da parte delle dame delle tante piccole corti"" (da Antonia Fraser, Bambole, Mursia 1964)

Il declino delle pupe (così erano chiamate queste bambole spesso realizzate a grandezza naturale) è segnato già dal primo Ottocento, quando si reallizza il passaggio dalla sartoria interamente artigianale, con un ristretto numero di lavoranti per una selezionata élite, a quella più organizzata e grandiosa che si rivolgeva ad un pubblico sia artistocratico che alto e medio borghese.

Una curiosità: recentemente sono rinate a nuova vita le bambole-mannequins. Vedere per credere sul sito Fashion Doll Agency

la Belle Otero

Con il volgere del secolo, in quella che si può considerare come una vera rivoluzione, il fenomeno moda investe ormai, seppure con forme differenziate, l'intero corpo sociale.
Presso gli ateliers francesi approdano gli astri nascenti del nuovo cinema, le muse del teatro e del balletto, che diventano le modelle ideali dei grandi sarti. 
Una delle figure più importanti della sartoria francese del periodo fra Ottocento e Novecento, madame Jeanne Paquin, annovera, ad esempio, fra le sue clienti, la celebre Belle Otero. Quest'ultima durante le corse di Longchamp, con una dozzina di bellissime indossatrici, diviene essa stessa mannequin, sfilando con gli abiti di questa regina della haute couture.

Denise Poiret indossa una creazione del marito Paul Poiret, 1919

Dove arte, letteratura, teatro vivono in un continuo scambio momenti di eccezionale vitalità, anche la moda è partecipe di questo clima.
Nel settembre 1903 apre il suo salone in rue Auber, dopo aver lavorato per Worth e Doucet, il primo grande innovatore del Novecento: Paul Poiret. 
Quest'uomo stravagante, le sui creazioni mantenevano sempre un aspetto teatrale, cambiò la linea della moda ispirandosi ai costumi dei ballerini del famoso Balletto Russo di Sergej Djaghilev, un giovane mecenate che li organizzava e li dirigeva a partire dal 1909 al teatro dello Châtelet.
Creatore ma anche avveduto uomo d'affari, Poiret diviene il padre della sfilata-spettacolo. Per anni fu ricordata la tournée che organizzò nel 1912 nelle capitali europee (in particolare Mosca e Pietroburgo), presentando sfilate dei suoi modelli con una schiera di splendide indossatrici francesi.

Una mannequin d'eccezione per le Sorelle Fontana: Marella Caracciolo, 1951

Paul White, amico e collaboratore, descrive nella sua biografia di Poiret, lo scenario, studiato e teatrale, in cui si svolgevano le sfilate:
""Mostrava le collezioni in tre saloni concomitanti con tappeti e tende in colori brillanti, decorati con enormi specchi e aperti sullo scenario sereno della verdi piante del giardino. Una scalinata grande, cerimoniosa, con un'ampia curva, discendeva dalla sala di prove al salone centrale; ma per produrre lo sciossante effetto di una apparizione repentina, Poiret faceva entrare le mannequins nel primo salone direttamente da una piccola porta"".

A questo punto potremmo citare decine di altri protagonisti della moda del primo Novecento, da Erté a Coco Chanel, che hanno contribuito a perfezionare in vari modi lo spettacolo sfilata. 
Anche l'Italia aveva i suoi pionieri: Rosa Genoni, Giuseppe Visconti di Modrone, Fortunato Albanese, Lydia de Liguoro, ma le sfilate degli anni Venti e Trenta in Italia, ancorate ad un irremovibile gusto tradizionale, si organizzavano con i medesimi canoni, privi di slanci artistici. Il conformismo imperante (ed imposto) non favoriva nuove idee e spunti originali e inghiottiva sarti e mannequins, spettatori e operatori del settore.
Bisogna arrivare al secondo dopoguerra per vedere la nascita ufficiale dell'Alta moda italiana, datata 12 febbraio 1951. I compratori americani invitati a una cena in una villa dell'antica aristocrazia toscana, assistono ad una semplice sfilata di modelli, si entusiasmano, comprano tutto.

La rinascita della moda nel dopoguerra, che vede anche lo sviluppo di una vera moda nazionale, intelligente e creativa, vede però una stasi nelle ricerche di nuove idee per le sfilate e qualche carenza di professionalità negli organizzatori, che perdurerà per decenni.
Dobbiamo arrivare oltre la metà degli anni Settanta per vedere un vero boom delle passerelle.
Diavolesse, donne-rettile, creature frantascientifiche uscite della penna di Asimov, saltellanti Topoline alla Walt Disney, orsette, bambole di panno, astrazioni geometriche dal vago sentore cubista: sono alcune delle molte 'follies de la mode' che, accompagnate da musiche assordanti, effetti psichedelici e fumo, hanno trasformato le passerelle a cavallo tra gli anni Settanta e Ottanta in autentiche pedane da circo. E in Francia, non a caso, le sfilate si svolgono sotto tendoni da circo del Forum des Halles, che contengono sino a duemila persone. Spesso non si fa della moda ma del teatro, fino al paradosso (che scorre lungo tutto il Novecento) di produrre una collezione per la passerella e un'altra (normalizzata) per la vendita.

Sfilata della Maison Chanel - Parigi Grand Palais 2008

""Qualcuno ricorda che nessuno ha inventato niente, che già nei primi anni Sessanta si presentavano i modelli al Bagaglino, che le sfilate al circo datano dalla fine degli anni Sessanta, ecc. Considerazioni esatte, ma senza senso. Perché allora forse si utilizzavano gli strumenti della teatralità per mostrare la moda, ora invece si usa la moda per fare spettacolo"". (Marina Cosi in: Valentino che veste di nuovo, Camunia 1984).

Negli ultimi anni la sfilata ha abbandonato in parte gli eccessi, è tornata nei ranghi, ha ripreso la sua strada meno teatrale e più commerciale. 
Dagli anni Novanta però è uscita ancora di più dai luoghi deputati, invadendo fabbriche e capannoni dismessi, cortili, piazze, locali trendy, teatri. È lo spirito after hours che ha invaso le città a riflettersi sulle scelte dei luoghi, delle luci, dei tempi. Ma è anche una caratteristica costante della post-modernità che tanto ha influenzato la moda. La scelta dell'off, la fuga dagli spazi tradizionali, la ricerca di una dimensione spaziale nuova, intersecabile con quella della realtà quotidiana più avanzata.

Pat Cleveland, la regina delle passerelle anni '70 e '80 in una recente sfilata per Stephen Burrows

Rimane il fatto che il coinvolgimento della ""gente dello spettacolo"", registi, scenografi, esperti musicali, attori, hanno costretto gli addetti ai lavori tardizionali a perfezionare la propria professionalità. Le indossatrici da tempo non avanzano più reggendo in mano il numerino corrispondente al capo indossato, ma incedono, corrono, girano intorno, 'tengono' la pedana come fosse un palcoscenico e appaiono tanto diverse quanto omogenee, come i personaggi della commedia dell'arte che vanno a rappresentare.

Il discorso sulle modelle sarebbe lungo e pieno di riferimenti socio-culturali. Troppo lungo e al tempo stesso troppo comune.
Mi piace chiudere con una frase di Ottiero Ottieri tratta da un'intervista apparsa sul mensile Donna nel 1984, una frase che non ha tempo, che rimane perfettamente valida anche ai tempi di Naomi Campbell: